Frida Kahlo: História de superação, cheia de contradições

Até o final de abril, em São Petersburgo, passa uma retrospectiva de Frieda Kahlo - o grande artista mexicano que se tornou o coração e a alma da pintura feminina no mundo. Costuma-se dizer sobre a vida de Frida através da história de superar a dor física, no entanto, como é geralmente o caso, este é apenas um aspecto de um caminho complexo e multifacetado. Frida Kahlo não era apenas a esposa do reconhecido pintor Diego Rivera ou um símbolo de força mental e física - a artista tem escrito toda a sua vida, a partir de suas próprias contradições internas, relações complexas com independência e amor, falando sobre quem ela conhecia melhor de si mesma.

A biografia de Frida Kahlo é mais ou menos conhecida de todos que assistiram ao filme de Julie Taymor com Salma Hayek: infância despreocupada e adolescência, um terrível acidente, um fascínio quase aleatório pela pintura, conhecimento do artista Diego Rivera, casamento e status eterno de "tudo é difícil". Dor física, dor emocional, auto-retratos, abortos e abortos, comunismo, romances, fama mundial, extinção lenta e morte há muito esperada: "Eu espero que o cuidado seja bem sucedido e eu não retornarei", dormindo Frieda na cama para a eternidade.

Não sabemos se os cuidados em si foram bem-sucedidos, mas nos primeiros vinte anos depois parecia que o desejo de Freda foi cumprido: ela foi esquecida em todos os lugares, exceto no México, onde a casa-museu quase imediatamente se abriu. No final da década de 1970, com a onda de interesse pela arte feminina e pelo neo-mexicano, suas obras começaram a aparecer ocasionalmente em exposições. No entanto, em 1981, o Oxford Companion to Twentieth Century Art of Modern Art lhe deu apenas uma linha: "Kahlo, Frida. Veja Rivera, Diego Maria".

"Houve dois acidentes na minha vida: um quando o ônibus bateu em um bonde, o outro é Diego", disse Frida. O primeiro acidente a fez começar a pintar, o segundo fez um artista. O primeiro respondeu à dor física durante toda a sua vida, o segundo causou dor espiritual. Essas duas experiências mais tarde se tornaram os principais temas de suas pinturas. Se um acidente de carro realmente foi um acidente fatal (Freda teve que ir em outro ônibus, mas saiu na metade para procurar um guarda-chuva esquecido), a relação difícil (afinal, Diego Rivera não era o único) era inevitável devido à inconsistência de sua natureza. que força e independência foram combinadas com sacrifício e obsessão.

↑ "Frida e Diego Rivera", 1931

Tive que aprender a ser forte na minha infância: primeiro ajudando meu pai a sobreviver a convulsões epilépticas e depois lidando com as conseqüências da poliomielite. Frida jogou futebol e boxe; na escola ela estava em uma gangue de "kauchas" - hooligans e intelectuais. Quando a gerência da escola convidou Rivera, então um mestre reconhecido, para pintar a parede, ela esfregou os degraus da escada com sabão para ver como essa pessoa com o rosto de um sapo e o corpo de um elefante escorregou. Ela considerava que as companhias de garotas eram comuns, ela preferia ser amiga dos garotos e conhecer os mais populares e espertos deles, que também estudavam várias classes mais velhas.

Mas depois de se apaixonar, Frida parecia perder a cabeça, o que ela valorizava nas pessoas. Ela poderia literalmente perseguir o objeto de sua paixão, jogando cartas, seduzindo e manipulando, tudo para desempenhar o papel de uma fiel companheira. Então, no início, seu casamento com Diego Rivera foi. Ambos mudaram, dispersaram e convergiram novamente, mas, segundo as lembranças dos amigos, Frida era muitas vezes inferior, tentando preservar o relacionamento. "Ela o tratou como um cão amado", lembrou uma de suas amigas. "Ele está com ela como uma coisa amada". Mesmo no retrato "casamento" "Frida e Diego Rivera" apenas um dos dois artistas é retratado com atributos profissionais, paleta e pincéis - e isso não é Frida.

Enquanto Diego escrevia afrescos por dias a fio, passando a noite na floresta, levava cestas de almoço, trabalhava em contas, economizava em procedimentos médicos muito necessários (Diego gastou uma fortuna em sua coleção de estátuas pré-colombianas), ouvia atentamente e acompanhava exposições. Sob a influência do marido, suas pinturas também mudaram: se os primeiros retratos de Frida pintaram, imitando artistas renascentistas de álbuns de arte, então graças a Diego, as tradições nacionais do México, cantadas pela revolução, penetraram nelas: uma imagem de feridas sangrentas com uma pompa de flores, laços e fitas.

Ale "Alejandro Gomez Arias", 1928

Para agradar o marido, ela até trocou seus jeans e jaquetas de couro por saias fofas e se tornou um "teuan". Essa imagem era completamente desprovida de autenticidade, já que Frida combinava roupas e acessórios de diferentes grupos sociais e épocas, podendo usar uma saia indiana com uma blusa crioula e brincos de Picasso. No final, sua ingenuidade transformou esse baile de máscaras em uma forma de arte separada: começando a se vestir para o marido, ela continuou a criar imagens únicas para seu próprio prazer. Em seu diário, Frida observou que a fantasia também era um autorretrato; seus vestidos se tornaram os personagens das pinturas e agora os acompanham em exibições. Se as pinturas eram um reflexo de uma tempestade interna, então as fantasias se tornaram sua armadura. Não é por acaso que um ano depois do divórcio apareceu “Auto-retrato com cabelo cortado”, no qual o terno masculino tomou o lugar de saias e fitas - em uma Frida semelhante posou para um retrato de família muito antes de conhecer Diego.

A primeira tentativa séria de sair da influência do marido foi a decisão de dar à luz. O parto natural era impossível, mas havia esperança para uma cesárea. Freda se apressou. Por um lado, ela estava ansiosa para continuar a corrida, esticar aquela fita vermelha, que mais tarde retrataria na foto “Meus avós, meus pais e eu”, para ter o “pequeno Diego” à sua disposição. Por outro lado, Freda entendia que o nascimento de uma criança a ligaria a uma casa, interferiria em seu trabalho e a distanciaria de Rivera, que era totalmente contra crianças. Nas primeiras cartas a uma amiga da família ao Dr. Leo Eloisser, a grávida Frida pergunta qual opção causará menos danos à sua saúde, mas, sem esperar por uma resposta, ela decide manter a gravidez e não mais recuar. Paradoxalmente, a escolha que geralmente é imposta a uma mulher por padrão, no caso de Frida, torna-se uma revolta contra a custódia de seu marido.

Infelizmente, a gravidez terminou em aborto espontâneo. Em vez do "pequeno Diego", nasceu o "Henry Ford Hospital" - um dos mais tristes trabalhos com os quais começou a série de pinturas "sangrentas". Talvez tenha sido a primeira vez na história da arte, quando o artista contou sobre a dor das mulheres com a máxima honestidade, quase fisiológica, tanto que as pernas estavam se contorcendo nos homens. Quatro anos depois, Pierre Collet, organizadora da exposição em Paris, nem sequer decidiu imediatamente exibir essas pinturas, achando-as muito chocantes.

Finalmente, aquela parte da vida de uma mulher que sempre foi vergonhosamente escondida de olhares indiscretos foi revelada em uma obra de arte.

Os infortúnios perseguidos Frida: após a morte da criança, ela sobreviveu à morte da mãe, e só se pode imaginar que um golpe para ela foi outro romance de Diego, desta vez com sua irmã mais nova. Ela, no entanto, se culpou e estava pronta para perdoar, mesmo que não se torne uma "mulher histérica" ​​- seus pensamentos sobre esse assunto se assemelham dolorosamente à eterna tese de que "uma mulher deve ser sábia". Mas no caso de Frida, a submissão e a capacidade de suportar andaram de mãos dadas com o humor negro e a ironia.

Percebendo sua importância secundária, a insignificância de seus sentimentos em comparação com os homens, ela trouxe essa experiência ao ponto do absurdo no filme “A Small Small Injections”. "Eu apenas a cutuquei várias vezes", disse um homem que esfaqueou sua namorada no julgamento. Tendo aprendido sobre essa história nos jornais, Frida escreveu um completo sarcasmo de trabalho, literalmente coberto de sangue (manchas de tinta vermelha "espirraram" mesmo no quadro). Sobre o corpo ensanguentado da mulher está um assassino inexpressivo (seu chapéu aponta para Diego), e por cima, como uma zombaria, paira um nome escrito em uma fita presa por pombos, tão semelhante a um enfeite de casamento.

Entre os fãs de Rivera, há uma opinião de que as pinturas de Frida são "pintura de salão". Talvez, a princípio, a própria Frida concordasse com isso. Ela sempre criticava sua própria criatividade, não procurava fazer amizade com galeristas e traficantes, e quando alguém comprava suas pinturas, muitas vezes reclamava que o dinheiro poderia ser gasto com maior lucro. Isso foi um pouco de flerte, mas, francamente, é difícil se sentir confiante quando seu marido é um mestre reconhecido trabalhando dia e noite, e você é autodidata, tendo dificuldade em escolher pintar entre tarefas domésticas e operações médicas. "As obras do artista iniciante são definitivamente significativas e até ameaçam seu famoso marido coroado de louros", foi escrito no comunicado de imprensa da primeira exposição de Nova York de Frida (1938); "Baby Frida" - foi assim que a autora da publicação na TIME a chamou. Naquela época, o “novato” “bebê” escrevia há nove anos.

↑ Raízes, 1943

Mas a falta de altas expectativas deu total liberdade. “Eu me escrevo porque passo muito tempo sozinho e porque sou o tópico que conheço melhor”, disse Frida, e ao abordar esse “tópico” não havia apenas subjetividade, mas também subjetividade. As mulheres que posaram para Diego se transformaram em alegorias sem nome em seus afrescos; Frida sempre foi o personagem principal. Esta posição foi reforçada pela duplicação de retratos: ela muitas vezes escrevia a si mesma ao mesmo tempo em imagens e hipóstases diferentes. Uma grande tela, "Two Fridas" foi criada durante o processo de divórcio; Frida escreveu-se "amada" (à direita, em um terno Teuan) ​​e "não amada" (em um vestido vitoriano sangrando em sangue), como se declarasse que agora ela mesma é a "segunda metade". Na pintura Meu nascimento, criada logo após o primeiro aborto espontâneo, ela se retrata como um recém-nascido, mas obviamente também se associa à figura de uma mãe cujo rosto está oculto.

A exposição de Nova York mencionada acima ajudou Frieda a se tornar mais livre. Ela sentiu sua independência pela primeira vez: foi sozinha a Nova York, se inteirou, recebeu pedidos de retratos e começou o romance não porque o marido estivesse ocupado demais, mas porque gostava tanto. A exposição foi geralmente aceita favoravelmente. É claro, houve críticos que disseram que as fotos de Frieda eram muito "ginecológicas", mas foi um elogio: enfim, aquela parte da vida da mulher que os teóricos femininos "raciocinaram por séculos, mas que sempre foi timidamente escondida dos olhares indiscretos". Revelado em uma obra de arte.

A exposição de Nova York foi seguida por uma exposição parisiense, organizada com a participação direta de Andre Breton, que considerou Fried um proeminente surrealista. Ela concordou com a exposição, mas rejeita nitidamente o surrealismo. Há muitos símbolos nas telas de Frida, mas não há dicas: tudo é óbvio, como uma ilustração de um atlas anatômico, e ao mesmo tempo é temperado com excelente humor. O devaneio e a decadência inerentes aos surrealistas a irritavam, seus pesadelos e projeções freudianas pareciam infantis, comparados com o que ela havia experimentado na realidade: "Desde [o acidente] tenho sido obcecado em retratar as coisas conforme meus olhos as vêem, e nada mais. " "Ela não tem ilusões", Rivera concordou.

My "Meus avós, meus pais e eu", 1936

Frida não tinha ilusões, concordava com o divórcio, não tinha ilusões, concordava em se casar novamente com Diego, mas não mais se importava com o fluxo. A dor da lacuna que ela transformou em seu melhor trabalho, e o sofrimento de Diego desenrolou as condições: ela vai se conter e eles não terão relações sexuais. Ela começou a usar jeans novamente, estava ocupada com o serviço de limpeza e ensinava aos alunos com prazer, escreveu “Autorretrato com uma foice”, no qual o cabelo cortado anteriormente estava entrelaçado em um pretzel extravagante e finalmente resignado à incapacidade de dar à luz, voltado para o tema da fertilidade. Em suas pinturas, mais e mais raízes, caules e frutos apareceram, e nas anotações do diário, o refrão "Diego é meu filho".

Tornou-se impossível para um marido ser uma mãe nativa depois de uma série de operações na espinha e amputações: primeiro um par de dedos na perna direita, então - a perna inteira. Frieda habitualmente sofria de dor, mas tinha medo de perder a mobilidade. Não obstante, ela corajosamente: preparando-se para a cirurgia, vestiu um dos melhores vestidos e encomendou um sapato de couro vermelho com bordados para a prótese. Apesar da condição séria, dependência de analgésicos narcóticos e alterações de humor, ela se preparou para o 25º aniversário do primeiro casamento e até persuadiu Diego a levá-la à manifestação comunista. Continuando a trabalhar com todas as minhas forças, em algum momento pensei em tornar minhas pinturas mais politizadas, o que parecia impensável depois de tantos anos descrevendo experiências pessoais. Talvez se Frieda sobrevivesse à doença, nós a reconheceríamos de um lado novo e inesperado. Mas pneumonia, pego nessa demonstração, interrompeu a vida do artista em 13 de julho de 1954.

"Durante doze anos de trabalho, tudo o que não veio da motivação lírica interior que me forçou a escrever foi excluído", explicou Fried em 1940, no pedido de subsídio da Fundação Guggenheim: "Meus temas eram sempre meus sentimentos, meu estado de espírito e respostas a aquilo que investiu vida em mim, muitas vezes o incorporava à imagem de mim mesmo, que era o mais sincero e presente, para que eu pudesse expressar tudo o que acontece em mim e no mundo externo ".

My "meu nascimento", 1932

Fotos: Wikipédia (1, 2), WikiArt (1, 2, 3, 4, 5)